<亞洲巡弋Asia Cruise> 展覽觀後感

1) 展覽中你最欣賞的作品是哪一件？

2) 展出四個主題中哪一個主題與作品你覺得最為相符。

3) 請詮釋四個主題之間相互呼應的關係。

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1.                      

 <水晶城市特別版-荒原 Crystal City Special Edition-Wasteland>  吳季璁

這是我最欣賞的作品。

移動中的光，來回穿梭在筆直的軌道上，圍繞著光的是堆疊的塑膠方盒與廢棄物。光與物體已架構出一個型態，然而吸引人的卻是光透過物體在牆面上形成的投影，投射的影子隨著光不斷的移動，相互交疊，錯落彼此，形成幻影。現實的光和物體，與其投影出的影像，兩者何為現實，何為虛幻? 所謂的真實到底指的事前者還是後者呢? 創作者創作出一個裝置，試圖描述出一個我們生活其中卻不可見的世界，同時讓觀者思考「人類文明在成長擴張的同時，卻也創造出一片無盡荒原」。

2.

< 物證 > 與 < 波光粼粼 Sparkling > 

展覽的其中一個主題 < 物證 >，和 林冠名的這件作品 < 波光粼粼 Sparkling > 是我覺得最符合的。「物證」的主題，我的想法是以物體本身為創作的表現和所展演之本體，物體的本質即是創作的故事和說明。所以「物證」是以物為證去傳達出想法觀念在物中的一切。而 < 波光粼粼 Sparkling > 的概念：「風景本身沒有任何意義，有意義的是看風景的人。」創作者以錄製一段的風景現場，想找到與風景相遇的最初感受，只有本身和景物之間的純粹關係，透過一次又一次的相互凝視，長時間的暫留，物的本質顯現，在觀者的眼中重新被單純的感受。這樣對物本質的感受和體會與「物證」的主題緊密的扣合著。

3.

展覽中的四個主題：「鬼島」、「物證」、「隔絕今界」、「物體事件」

四個主題，四個策展人，十四位藝術家。

共同對於各自關注的事情，更對於當代的社會提出一種觀察與理解。以創作方式呈現出對於台灣，更廣到亞洲的種種體認，利用身處的環境與事件作為發想，再以所謂的當代藝術的方式做出呈現。四個主題都包含著對於不同創作者在各自所處的生活中，所看見和所關心的事情，也許面對的事件不同，但是都同樣來自這片土地或這塊區域上，相互的連結即是生活的本身。

網站連結 http://www.kdmofa.tnua.edu.tw/index.php?REQUEST_ID=bW9kPWV4JnBhZ2U9ZGV0YWlsJkVJRD0xNzQmWVk9MjAxMw==

專題報告4: Josef Alber 與 James Turrell

                   

   

Josef Alber 與 James Turrell 專題

 1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

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1.

       Josef Alber一生致力於藝術教育，

　　他先後任教於德國包浩斯、美國黑山學院、哈佛大學、耶魯大學，

　　其中包浩斯的影響最為深刻，他在３２歲那年才當了包浩斯的學生，

　　並在畢業後於此任教，後來納粹因包浩斯太『不德國』，而將學校解散，

　　於是Josef Alber移民去了美國，

　　一併把包浩斯精神帶去，對美國與世界都有深遠影響。

　　而他的創作媒介與其說是用什麼方材料，不如說就是色彩本身，

　　也許是對於學習的熱誠，他對色彩研究非常深入，

　　並用不同色的方塊等距內縮，感受色彩與排列的變化。

　　James Turrell出生於高知識分子家庭，他在16歲那年就已經拿到飛行員執照，

　　並學習知覺心理學、數學、地質學與天文學。

　　他的家庭與受教程度對他的創作有很大的影響，他的作品以光作為素材，

　　他曾說『我將光當作一種材料， 但是感知才是我的媒介。

　　我希望你能看你所看，感你所感。』

　　，其中最著名的莫過於至今仍在繼續的「火山口」計畫，

　　將一個死火山口改造可見的天文台。

　　James Turrell的其他作品通常會將觀看者封閉在空間中，

　　控制光線使觀看者透過光線變化對環境有不同的感受。

2.

       Josef Alber眾所皆知的是他對視覺色彩研究的投入，並捨去繁複的繪畫形式，

　　將純粹與簡約帶入畫中。

　　他最為著名的是《向方形致敬》(Homage to the Square)系列，

　　他將不同色彩的方形以同心的方式內縮，呈現出相對位置與色彩的關係。

　　

    「他精確地計算了每塊顏色區域的面積，設計好他們之間的對比，

　　將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上，三個或是四個同心方由內向外擴展。

　　為達到色彩的精確性，他甚至記下了這些顏料的生產廠家和名稱在畫布的背面。」*1

　

   　對美國抽象藝術有著極度深遠的影響，

      也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

     James Turrell以光為材料，感知為媒介，由此可知色彩是為了創造觀看者的感覺，
     由於James Turrell曾經學習感知心理學，因此在創作上大量運用色彩與視覺營造錯視，
     由這美麗的錯誤中影響人的心理感受。

3.

     Josef Albers 作品的展出方式如同他作品一樣純粹，整齊並列掛在牆上，
     是屬於一般美術館展覽的形式。
     他作品研就是非常嚴謹、細心的，
     有時畫作必須凝視非常久才能看出顏色之間的差異。

      James Turrell曾說：「有時候在觀看某些東西的時候，我會有點急躁。
      老實說，蒙娜麗莎在洛杉磯展出時，我只看了13秒。
      但是，你知道的，現在有一個慢食運動。或許我們可以來個慢藝術運動，
      花一個小時來欣賞作品。」

     「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息，而觀者如何面對這個空間。
       通常，我們張著眼，卻對光線視而不見，這提醒了我，
       我們必須要有另一種觀看的方式。」*2

      

       James Turrell跟Josef Albers 作品觀看方式兩邊有個共通點，
       都必須長時間的凝視、觀看，才能體會出其中所隱藏的秘密。

       但不同的是，Josef Albers是平面的視覺，James Turrell則是必須走進去空間中。
       他的作品已經不再是觀看，而是去體驗。不只是眼睛去看整個空間，
       甚至可以在空間中隨意走動，讓身體去感受空間給你的感覺。

  

       影片： http://vimeo.com/67600428

*1 引用於:http://blog.artintern.net/article/139538
*2 引用於http://www.mottimes.com/cht/article_detail.php?type=0&serial=857

專題報告3: Jackson Pollock

1. Jackson Pollock的非具象繪畫手法是什麼?

 2.請選出Jackson Pollock的一件作品做分析。

  

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1.

Jackson Pollock的創作手法是滴畫法，他用畫筆、或者是樹枝的枝條沾上顏料，

用手臂揮灑或是滴濺顏料，拉出線條或者是輪廓，而不是用筆碰觸到畫板。

也因此，畫作線條會因為他的移動速度和力道，而有不一樣的粗細程度，以及難以掌控的不規則感。

他選擇不將畫布固定在畫架上，而是鋪在地上，所以他在作畫時常需要靠走動來繪製作品，

也同時讓他更加接近畫布和他所揮灑出的成果。

有時，畫的角落會看到他的手印，卻沒有他的簽名。

他用掌印取代親筆簽名。如果是簽名的話，像是附加人為的符號在畫作上，

想向世人宣告所有權，而用掌印雖然也有相同的意義，

但比較不像是附加物，而是自然為作品的一部份。

2.

Jackson Pollock 在1951年的作品顏色是沉重的，有一部分系列的作品都以黑色顏料繪製。

這可能是因為他在此之前人生訊迅速達到巔峰而產生的後遺症。
突然各方媒體的注目帶給他壓力，一批畫廊爭相搶著要他的畫作，再加上個人對繪畫品質的要求。
原先不安穩的情緒加上壓力，只有繪畫與酒是他發洩的出口。
這幅畫上右方有兩個人，是具體的事物，我想這是他情緒的象徵。
用潦草的線條、滴料去勾勒人的形體，表達自己內心的不安、煩躁，
或者這是他另一種嘗試，甚至藉此來撫平他扭曲的內心。

後期的時候，他在原先抽象的繪畫上加上具象的事物，
好像又繞了一個彎回到具象創作，但手法、身體狀態和心理層面都讓他的畫作更具深度，
另一方面他也想要突破滴畫法的技巧。

這幅畫自由隨興的線條，是他及時完成的結果，
而不是先前畫過草圖、擬定好底稿的結果。
但相對於更早一些的畫，因為加入了具象的成分，所以在繪製時需要更多的考慮。
當他在畫巨型繪畫的時候，總是會繞著畫來回走動。
他在畫畫的同時，他全身都在運作，適度的運動更幫助他專注繪畫，同時讓他消耗掉許多負面的能量。
他酗酒的傾向，可能間接幫助他達到繪畫狀態，忘記世俗所有繁雜的事，
使他只需要專心畫圖，暫時舒緩緊繃的神經。

而他的作品名稱並沒有用具體的名稱，反而是用編號。
或許是因為他不願意賦予畫作太多的意義，只是記錄一系列的”實驗”。
也有可能是他在作品中投入太多的情緒，而不願意被發覺。

「雖然這一階段的畫作很像隨機事件的偶然發生，似乎所有的佈局與結構都是當下才決定的；

且作畫前他從不擬草稿或底圖。Jackson Pollock卻否認了意外的存在。

對他來說，每當創作一幅作品之前，腦中已想好大致方向......

他宣稱這種創作哲學為”No Limits, Just Edges”。」-*1

波洛克：「被動地接受這幅畫提供的意象，而不要先入為主地帶著主觀印象去尋找主題。」

波洛克的妻子克拉斯納說波洛克「以前會給他的畫進行傳統的命名，而現在只是對他們進行編號。

編號是中立的，他們使得人們把作品作為純粹的畫來對待。」-*2

*1 引用自http://blog.sina.com.tw/22494/article.php?pbgid=22494&entryid=607458
*2 引用自 維基百科

Naoshi - SUNAE 藝術家

Naoshi 為日本的藝術家，她的作品是由沙畫創作為主。

藝術家的創作來源為描繪生活中的各種日常事件和情感，而使用沙子為創作，是因為她覺得啟發每一天明亮的生活就彷彿閃閃發光的沙子優雅地通過手指間，是一種非常獨特，有意義的材料。每件作品的配色都是繽紛鮮明的，繪製圖案帶著有趣的幽默感，讓人看著也笑了。

個人網站  http://www.nao-shi.com/index.html

大石麻央（Mao Ooishi）

日本藝術家大石麻央，她的創作為雕塑物，使用材料為羊毛氈。

在駁二看到她的作品時，一開始覺得新奇可愛，看起來各種不同的動物彷彿是個歡樂場景；然而，從細部繼續看下去，才發現原來這些雕塑物的手腳都是人類的，而動物的形貌只是像面具般的覆蓋在頭部，一隻一隻安靜的放置在展場中形成詭異的氛圍。

藝術家想傳達的訊息或許就是如此，我們都生活在所謂的「面具」底下，面具的形貌是對外的一道牆，牆內的世界都只有自己才能看到。

《我的東西 My Thing》

中國藝術家洪浩，攝影作品《我的東西 My Thing》。
此系列作品為藝術家將十多年來他週邊的生活用品，一一掃描歸檔，進行分類組合，解構再重建。透過電腦將數位影像做排列，每一個生活物件都關連著不同的生活經驗，當它們被重新放在一起，形成了藝術家獨特的人生歷程。而觀者欣賞作品時，多少能窺探出屬於藝術家的獨特品味和其身處的生活環境，更有趣的連結是攝影作品中不同的小物件亦可與自身生活經驗產生出乎意料的共鳴。

< Breathting In A House > 白雙全

「我住在一間小屋裡，呼吸，直到用完這裡的空氣。」

白雙全，香港藝術家。最初，是在北美館展出的台北雙年展時看過其作品，之後有有幸在一門課堂中親聆到其本人的演講，而近期內又在駁二藝術特區看到其中一件作品展覽。所以對於此位藝術家的作品有一定的了解。他的作品多半是來自生活中發生的小事件，經由自身的不同想法進而轉變一件件能令人細細玩味的創作。

<Breathing In A House> 的創作緣由：「要用多少時間才可以呼吸完整間房的空氣？」深深的吸引著我。利用個體與空間的連結，藉由呼出的氣體，把「自己」放在屋子裡面，感覺就像一部份的生命寄居在這間屋似的。